Il Galeone delle Arti

Tutti ricordiamo l'amato e odiato periodo delle scuole superiori! In Giappone ci sono innumerevoli manga ed anime dei più svariati generi che sono ambientati tra le mura scolastiche! L'anime di cui voglio parlarvi oggi è Danshi Koukousei no Nichijou (in inglese Daily Lives of High School Boys),  di genere comico demenziale.

Il cartone di se non ha una trama vera e propria. Infatti il filo conduttore delle puntate è dato dai modi che i protagonisti (che sono, per l'appunto dei ragazzi liceali) si inventano per passare le giornate. Ecco quindi che ci troviamo davanti ad una serie di non sense che varia da degli improvvisati gdr fatti in casa, ad immaginari scontri contro dei robotoni giganti passando per varie mini saghe. 

Nonostante la mancanza di una trama l'anime non annoia mai, forte della presenza di personaggi molto ben costruiti e divertenti, del susseguirsi di sketch sempre di buonissimo livello che azzerano la possibilità di annoiarsi da parte dello spettatore. Infatti anche se simili le situazioni sono sempre diverse tra loro, cosa non scontata se pensiamo ad anime molto più famosi di questo che però si basano sempre sulle stesse cose per trecentomila episodi (arriva in un posto con un nemico/combattilo/prendile/potenziati senza un motivo logico/vinci e ricomincia il giro).

 Anche il comparto grafico è di buon livello e con davvero poche pecche. 

Insomma Danshi Koukousei no Nichijou è un anime demenziale colmo di comicità e divertimento che non deluderà certamente gli amanti del demenziale della comicità e dei buoni anime.

Cari vecchi film di fantascienza anni '50, figli di un periodo carico di timori dovuti alla guerra fredda e alla corsa agli armamenti nucleari. Io vi amo. Certo, non c'è praticamente nulla che nel periodo che va dagli anni cinquanta ai '70 che non sia stato preso in esame dai film di fantascienza. Fossero alieni, animali giganti o dinosauri risvegliati da scorie radioattive o quant'altro molto, anzi moltissimo è stato trasposto in film, racconto o in entrambi. Ora, tutti conosciamo lo stra famoso Godzilla, di cui è stato fatto un film recentemente ma pochi, purtroppo, conosciamo il film che in parte ha ispirato il personaggio: Il Risveglio Del Dinosauro.

È tutto tremendamente semplice. Durante dei testi nucleari al polo un gigantesco dinosauro (un Rhedosauros, mai in realtà esistito) si sveglia e, partendo li e seguendo via mare la corrente del nord arriva a devastare New York. Non ci facciamo mancare nulla in questo fantastico film. C'è la sopracitata esplosione nucleare, c'è il dinosauro favolosamente fatto in stop motion (con una realizzazione ottima per quel periodo), c'è il sangue del dinosauro cancerogeno per gli umani e c'è l'improbabile attacco con sconfitta al mostro. Tutto molto lineare, ovviamente, ma davvero impagabile. Le scene di distruzione della città sono molto ben realizzate e, nonostante il fatto che il mostro in certe scene appaia finto o comunque le reazioni di chi lo vede un po' troppo fredde, realistiche. Il film dura poco più di un ora e dieci minuti che francamente mi sono scivolate senza che me ne potessi accorgere minimamente. La pellicola infatti risulta interessante e, anche grazie alla durata limitata, non ha mai dei cali o delle parti particolarmente noiose.

Insomma Il Risveglio Del Dinosauro è un film che dovete correre a vedervi mettendo da parte i mostri super realistici fatti con la maledetta CG o con le tecniche odierne. Certo, sono molto belli, quasi temete di uscire di casa dopo averli visti, quasi vorreste aprire un parco a tematica giurassica, è ovvio. Ma provate a pensare alla bellezza di quel cinema spontaneo, quasi infantile della fantascienza di quel periodo che pure era, a suo modo, epica e date un occhiata a questo film, non vi deluderà. Se invece siete convinti che una realizzazione grafica sia tutto quello che conta ho poco da dire, tornate a guardare Jurassic Word, magari convinti sia un buon film, e lasciate perdere questo, ma almeno sappiate che state lasciando da parte un pezzo di storia.

Tupac Shakur non ha bisogno di presentazioni, icona del gangsta rap, muore a 25 anni in seguito ad una sparatoria i cui colpevoli non sono mai stati trovati, nel bel mezzo della violenta faida tra East e West Coast. Della sua morte, della faida con Biggie e Puff Daddy e sulla sua presunta falsa morte sono state spese miliardi di parole ed un sacco di inchiostro. Quel che resta è che Tupac ha lasciato indubbiamente il segno, in bene o in male, nella musica rap in generale.

Il disco di cui voglio andare a parlarvi oggi è The Don Killuminati: The Seven Day Theory, primo disco postumo dell'mc che però lo aveva registrato completamente mentre era in vita, in brevissimo tempo, ultimandolo poco prima di essere ucciso. Questo lavoro rappresenta secondo me l'apice di Tupac, ideale seguito di un capolavoro come All Eyez On Me e giusta conclusione di una carriera basata su dischi che, piacciano o meno, si attestano tutti su un buon livello. The Don Killuminati: The Seven Day Theory è un ottimo disco sotto molti aspetti. Anzitutto la sua atmosfera, che potremmo definire oscura, impregna interamente il disco (salvo pochissime eccezioni come, ad esempio, nel caso della famosissima To Live and Die in L.A.) andando ad accompagnare benissimo le tracce che passano dalle riflessioni su determinati argomenti sociali agli insulti agli esponenti della east coast (in primis Biggie e Puff Daddy ma anche personaggi come Jay-z, Nas ed altri) passando molte volte a toccare il tema della morte da cui Tupac, in quel particolare momento si sentiva ben perseguitato (in particolare dopo che nel 1994 gli spararono quasi a morte, sparatoria che diede inizio alla beef a cui ho accennato precedentemente). Come già detto i beat (di cui ben tre co-prodotti dallo stesso Tupac) riescono perfettamente a donare al lavoro un'atmosfera cupa e fanno un lavoro perfetto su pezzi come Bomb First, Blasphemy (pezzo di grande impatto, il mio preferito del disco) o Against All Odds. Se dovessi citare tutti i buoni pezzi di questo disco sarei costretto ad elencare la tracklist intera, quindi mi limito a dire che non sono presenti pezzi fuori contesto o particolarmente deboli ma che, anzi, l'insieme delle tracce da una grande compattezza al lavoro. Ogni traccia pare arrivare quando dovrebbe, facendoci godere all'ascolto e proponendoti dei testi che a volte possono parere più leggeri per tematiche ed argomenti trattati ma che il più delle volte si presentano portatori di riflessioni profonde ed interessanti (ad esempio in Blasphemy).

In definitiva questo è un disco che non posso che consigliare a tutti gli amanti del rap ma anche a chi vuole approfondirne i dischi fondamentali. È un lavoro che viene fuori da un periodo molto travagliato di Tupac e certamente è frutto di rabbia, odio ,frustrazione ma anche di speranze, realizzazione e voglia di denuncia. Con questo disco Tupac cambiava il suo aka in Makaveli, in onore del pensatore italiano che ammirava (Machiavelli, appunto). Viene da rattristarsi ancor più per la prematura dipartita del rapper se si va a considerare il fatto che questo disco poteva sancire l'inizio di un nuovo periodo della sua musica che sarebbe stato molto più d'impatto e, magari, spostato su queste sonorità. In ogni caso sono pochi i dischi che col passare degli anni ascolto ancora con le stesse emozioni della prima volta, questo è uno di quelli e vi consiglio di provare a dargli un ascolto facendovi prendere da quello che trasmette per capire a pieno il suo potenziale.

Oggi voglio parlarvi della prima parte di questo disco, The Documentary 2. Un disco che certamente è riuscito a colpirmi presentandosi fluido, ben calibrato e con pochissimi cali. La presenza di tracce in collaborazione con pezzi grossi della scena che, oltretutto, danno delle prove molto convincenti (vedi Kendrick Lamar in One Me, Ab-Soul in Dollar and a Dream o Snoop Dogg in La...senza scordare l'ottimo prove di Ice Cube, Dr Dre e Q-tip nelle loro tracce) e non può che dare una marcia in più al disco che, inoltre, presenta anche delle ottime produzioni (tra le quali spiccano sicuramente quella di Scott Storch in Bitch You Ain't Shit e quella di Premier in The Documentary 2, titletrack del disco e, a parere di scrive, traccia migliore del disco). Lo stesso The Game pare avere nuova linfa e si presenta alla prova col microfono in forma smagliante come non si vedeva da tempo infilando pezzi di alto livello uno dopo l'altro. Non fosse per il fatto che in alcune tracce sentiamo il livello calare (in 100, ad esempio, dove incontriamo anche la collabo con un Drake sottotono) e che nella parte centrale il disco tende ad essere un po “debole” (anche se sempre con tracce molto buone) avremmo davanti un disco davvero d'eccellenza.

In definitiva, The Documentary 2 si presenta come un buonissimo disco che riesce sia ad accontentare lo zoccolo duro dei fan di The Game, grazie all'impatto dell'mc che non va mai a perdersi nemmeno nelle tracce meno convincenti, che a farsi apprezzare da coloro che magari erano stati delusi dalle uscite più recenti, per merito di un occhio di riguardo al passato che influenza sonorità e liriche del disco. Ovviamente ci sarà qualcuno che storcerà il naso perché preferiva qualcosa di diverso, qualche beat più commerciale o qualche ritorno allo stile prettamente west che impregnava i primi lavori di The Game, però in generale penso che questo disco meriti quanto meno una possibilità per essere apprezzato. Francamente con me ci è riuscito, sopratutto sui pezzi iniziali mi son quasi sentito quel quindicenne che metteva per la prima volta nello stereo The Documentary.

Certo, pare proprio il dottore sia tornato. E non parlo del dottor Who o di qualcosa del genere ma di Andrè Young, in arte Dr. Dre. Il pioniere della west coast torna infatti a 16 anni dal magnifico 2001, con un disco potente, insidioso ed, a suo modo, quasi perfetto. Certo, certo, tutti noi appassionati abbiamo aspettato per quindici anni Detox, il disco annunciato e rimandato almeno dieci volte negli ultimi anni. Noi gli stessi che, quando Dre ha annunciato di aver definitivamente cestinato il progetto abbiamo chiesto a Dio che diamine fosse successo al mondo, sopratutto dopo gli ottimi singoli che parevano farne parte e i beat ghiotti che il dottore ci aveva fatto ascoltare in qualche video. Ma torniamo al presente, torniamo a Compton: A Soundtrack by Dr. Dre. Disco che, stando a quanto raccontato direttamente dal beatmaker, è un parto di un lampo di ispirazione subito mentre era sul set del film sugli N.W.A. Ci crediamo? Ognuno abbia la sua idea idea su queste epifanie dal sapore di trovata pubblicitaria.

Tuttavia il prodotto che ci troviamo davanti è davvero estremamente valido. Come al solito Dre produce poco o niente, limitandosi a collaborare con i vari beatmaker ospiti del disco limitandosi a mettere nel beat qualche particolare che gli dia un tratto distintivo tipico del suo suono.

Il disco, in ogni caso, parte subito facendo la voce grossa prima con Talk About It e poi con Genocide, pezzone devastante con un'ottima produzione , una buona prestazione al microfono del dottore ed un Kendrick Lamar che la fa subito da padrone sulla traccia. Da qui si apre la porta ed è un susseguirsi di pezzi di gran livello come Darkside/Gone (con la doppia produzione di Best Kept Secret nella prima parte e D.R.U.G.S. Beats nella seconda, entrambi in combo con Dre, e con Kendrick Lamar che ci regala una prova oltre il livello d'eccellenza...è certamente il mio pezzo preferito) e Deep Water (ancora con Kendrick che spara una strofa bomba), One Shot One Kill e Satisfiction (dove troviamo uno Snoop Dogg cosi in forma che sembra arrivare da altri tempi) o Medicine Man (in cui Eminem tira fuori una strofa come non faceva da anni e rende il pezzo uno dei più riusciti del disco). Ovviamente il disco non è esente da tracce un po' più deboli come ad esempio Loose Cannons o Issues, tuttavia esse nonostante siano un po sotto la media restano estremamente ascoltabili (Xzbit in Loose Cannons riesce comunque a prendere bene nonostante una prova che poteva sicuramente essere migliore).

Una nota di merito va a Animals, ottima traccia con una super produzione di Premier nella prima, storica collaborazione con Dre da cui nasce un pezzo riuscitissimo.

Insomma c'è poco altro da aggiungere. Compton: A Soundtrack by Dr. Dre è un disco riuscito, vario e godibile con buona pace di quelli che speravano di sentirsi una versione 2015 di The Chronic. Fortunatamente il disco suona nuovo e perfettamente integrato nel suo periodo.

Forse a differenza dei due dischi precedenti si sente meno quell'aria di rivoluzione dell'apparato musicale, ma in ogni caso e presto per dirlo…ai posteri l'ardua sentenza.

Conosciamo il Tom Waits dalla voce rauca e bassa, levigata da litri di whisky e centinaia di sigarette, e dai dischi sempre più sperimentali e musicalmente dissacranti. Lo conosciamo per questo e amiamo ogni singolo brano partorito dalla sua mente e che racconta realtà che riusciamo a sentire vicine a noi. Ma di tutto questo, ovviamente, c'è il Tom Waits, giovane e promettente esordiente. Con una voce, non ancora consunta dagli eccessi, completamente diversa da quella che conosciamo ora e con delle sonorità da piano blues che quasi non potremmo immaginare ascoltando le ultime produzioni.

Proprio cosi, Closing Time, il disco d'esordio del buon Tom è una piccola perla che i meno informati sulla discografia del cantautore statunitense riuscirebbero a fatica ad accostargli. Closing Time (il titolo è un riferimento all'ora in cui chiudono bar e locali) e un disco eccellente con tematiche legate, certo alla povertà, ma sopratutto agli amori persi o non corrisposti. Il disco riesce a regalarci una varietà musicale e di cantato grazie a delle tracce ben variegate dove il pianoforte non mancherà praticamente mai come accompagnamento, assieme a chitarra acustica, sassofono e contrabbasso. Il disco, inizia con Ol'55, pezzo che il cantante dedica alla sua vecchia macchina, si occuperà poi di diversi temi legati all'amore e alla povertà (su tutte “I hope that i don't fall in love with you”, “Martha”, “Grapefruit moon”) accompagnati sempre da un tappeto musicale malinconico e d'atmosfera. Ice Cream Man, ci presenta dell'ottimo jazz ritmato sopra il quale Tom Waits ci narra una maliziosa storia via evidenti metafore. Ma è solo un momento, poco più di tre minuti di svago, che ci allontanano per un attimo dalla malinconia dei pensieri che ci accompagnano durante l'ascolto di questo disco. Pensieri simili a quelli che proviamo quando rimaniamo soli, dopo una serata in un bar che ormai sta chiudendo i battenti.

Insomma Closing Time è un disco davvero ottimo, una piccola perla che troppo spesso viene dimenticata nella discografia di un grande autore. Al suo interno troviamo pezzi commoventi e splendidi con un atmosfera sempre perfetta. Concludo con una frase che mi dissero qualche tempo fa: Oltre al fatto che Closing Time è un esordio coi controcazzi, ed è pieno di pezzi commoventi che non è poco, dentro c'è Martha….se non ti commuovi con Martha non hai una anima.”

I Maiden hanno fatto molte cazzate negli anni, dall'abbandono di Di'Anno a quello di Blaze passando per il loro ricercare negli ultimi album "A matter of life and Death" e "Final Frontier" uno stile progressive assolutamente distante dalla band, che a portato a due dischi deboli di contenuti, ripetitivi nel sound e che volavano basso anche a livello di testi. Molti fan, come chi scrive, avevano visto in "Dance of Death" l'ultimo lavoro degno di nota della band un canto del cigno di quell'Harris che sembrava essere troppo occupato a comporre album solisti al limite della decenza e a spingere una figlia semplicemente incapace per dedicarsi seriamente al suo progetto principale. 

 Composto da 11 tracce divise in due dischi per un totale di un'ora e trentadue minuti di pure Metal, The Book of Souls è un tuffo nel passato che cancella dalla mente gli ultimi 9 anni.

Per molti versi ricorda Brave New World ( è stato girato nello stesso studio) e No prayer for the Dying con una leggera componente più epica vicina a Dance of Death. La lunghezza del lavoro non è di peso per via della buona varietà sonora dei pezzi e di una tracklist intelligente, i singoli pezzi non paiono quasi mai tirati oltre il loro limite per guadagnare secondi come accadeva in  The Final Frontier e i ritornelli non sono sfruttati solo come riempitivi.

Lontano dalle sonorità dei due dischi precedenti, pur non essendo un capolavoro, nè uno dei migliori dischi dei Maiden, quest'album lancia una luce di speranza sul futuro del gruppo, lasciando sperare in un lento, ma continuo ritorno ai sound originali, per non solo autocitarsi come in questo disco, ma esprimersi con il proprio stile come in passato. 

Voto: 7.5/10